Während man im 20. Jahrhundert größtenteils damit beschäftigt war, Bilder an Wände zu hängen und die Menschen aufzufordern, diese aus respektvoller Entfernung zu bewundern, betrachtete Julio Le Parc das gesamte Arrangement und kam zu dem Schluss, dass es ihm unnötig statisch erschien.
Er füllte Räume mit Reflexionen, Bewegung, Farbe und Ungewissheit – Kunstwerke, die sich weniger wie Objekte, sondern eher wie Wettersysteme verhielten und gewöhnliche Museumsbesucher in Entdecker verwandelten, die durch Lichtstürme wanderten.
Le Parc starb am 30. Mai 2026 im Alter von 97 Jahren. Am 11. Juni wird in der Tate Modern eine große Retrospektive eröffnet – eine Ausstellung, an deren Vorbereitung er noch in den Tagen vor seinem Tod gearbeitet hatte.
Julio Le Parc mit „Continual Light Cylinder“, 1962 © Atelier Le Parc 2026 ADAGP Paris und DACS London
Die meisten Würdigungen haben sich verständlicherweise auf seine Rolle als Pionier der kinetischen und optischen Kunst konzentriert. All das ist wahr. Doch das Immersive-Field-Bewegung hat möglicherweise gerade einen seiner wichtigsten Vorläufer verloren, ohne ganz zu begreifen, dass er zur Familie gehörte.
Das Werk war nichts, was man sich ansah. Es war etwas, in das man eintrat.
Kommt dir das bekannt vor?
In der Immersionsbranche hat man die merkwürdige Angewohnheit, Partizipation als einen neuen technologischen Durchbruch zu betrachten. Es scheint, als würde fast jede Woche ein neuer Begriff auftauchen, der verspricht, Partizipation, Engagement, Staunen, Transformation oder zwischenmenschliche Verbindungen endlich zu erklären.
Doch lange bevor „immersive“ zu einer eigenen Kategorie wurde und lange bevor jemand entdeckte, dass man durch das Hinzufügen des Wortes „immersive“ sowohl die Eintrittspreise als auch das Interesse der Investoren steigern konnte, setzte sich Le Parc bereits mit vielen der gleichen Fragen auseinander, die heute das Erlebnisdesign prägen.
Wie verwandelt man einen Zuschauer in einen Teilnehmer? Wie macht man jemandem seine eigene Wahrnehmung bewusst? Wie schafft man Staunen, ohne auf eine Geschichte, eine Figur, ein Headset oder einen Bildschirm zurückzugreifen?
Das waren in seiner Arbeit keine Nebensächlichkeiten. Das war die Arbeit selbst.
Ein Raum, in dem die Gewissheit weicht
Wenn Sie noch nie eine Installation von Julio Le Parc gesehen haben, stellen Sie sich vor, Sie betreten einen Raum, in dem die Gewissheit pflichtbewusst ihren Rücktritt eingereicht hat.
Das Licht wird reflektiert. Schatten wandern. Spiegelungen tauchen dort auf, wo sie eigentlich nicht sein sollten. Gegenstände scheinen sich zu bewegen, bleiben dann stehen und bewegen sich wieder.
Irgendwo in der Nähe macht ein anderer Besucher einen Schritt, und schon verändert sich die gesamte Komposition, als hätte der Raum selbst seine Anwesenheit bemerkt und beschlossen, mitzuwirken.
Die meisten Kunstwerke fordern uns auf, still zu stehen und zu betrachten. Le Parcs Werk deutete höflich an, dass das Stillstehen vielleicht Teil des Problems sein könnte.
Julio Le Parc in der Tate Modern – eine Installation, bei der die Besucher dazu eingeladen sind, sich als Teil der riesigen, immersiven Kunstwerke zu fühlen© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Wenn wir heute über immersive Erlebnisse sprechen, neigen wir dazu, über die technische Ausstattung zu diskutieren: Echtzeit-Rendering-Engines, Projektionssysteme, räumliche Audio-Arrays, Tracking-Infrastruktur, Haptik, Sensoren, XR-Hardware, generative KI-Modelle und welche Abkürzung auch immer gerade mit großer Begeisterung und einem beträchtlichen Budget auf einer Messehalle.
Le Parc interessierte sich für etwas Grundlegenderes: Was passiert, wenn das Publikum aufhört, nur Zuschauer zu sein, und Teil des Systems wird? Die Mechanismen mögen sich ändern, doch die zugrunde liegende Frage bleibt dieselbe.
Es ging nie um das Licht. Es ging darum, was mit den Menschen geschah, wenn das Licht sie fand.
Viele erfolgreiche standortbezogene Erlebnisse haben dies instinktiv verstanden. Ein Besucher in einer teamLab-Umgebung, einer Installation im Balloon Museum oder einer der leuchtenden Welten von Moment Factory , konsumiert nicht einfach nur Inhalte. Der Gast betrachtet das Werk nicht so sehr, als dass er es vielmehr vervollständigt.
Mach einen Schritt, und alles ordnet sich um dich herum neu.
Warum er zur Familie gehört
Lassen Sie uns also genauer auf die Erbschaft eingehen.
Le Parcs Werk lässt die Grenze zwischen Betrachter und Kunstwerk verschwinden. Man betrachtet es nicht einfach nur. Man taucht in es ein. Das Erlebnis hängt von Ihrer Anwesenheit und Ihrer Mitwirkung ab. Bewegen Sie sich, und es bewegt sich mit. Ändern Sie Ihre Position, und die Komposition verändert sich mit Ihnen.
Das Kunstwerk ist kein statisches Objekt, das darauf wartet, betrachtet zu werden. Es ist eine Beziehung, die darauf wartet, aktiviert zu werden.
Er weckte Staunen allein durch die Wahrnehmung selbst. Keine Erzählwelt. Keine Figuren. Kein geistiges Eigentum. Keine Mythologie, die man auswendig lernen müsste. Kein Bildschirm. Keine Einweisungsanleitungen. Nur Licht, Bewegung, Raum und die beunruhigende Erkenntnis, dass die Realität vielleicht ein gemeinschaftlicherer Prozess ist, als wir normalerweise annehmen.
Am wichtigsten war vielleicht, dass er die Teilhabe eher spielerisch als ehrfürchtig anging.
Sein Werk war offen, fröhlich und zugänglich. Die Besucher mussten keine Kunsttheorie verstehen, um daran teilzunehmen. Sie mussten lediglich den Raum betreten und aufmerksam sein.
Insgesamt betrachtet kommen einem diese Ideen plötzlich bemerkenswert bekannt vor.
Seit seiner Eröffnung in Rom im Jahr 2022 hat das Balloon Museum mehr als zehn Millionen Besucher aus Europa, Asien und Nordamerika begrüßt.Bild mit freundlicher Genehmigung von Lux Entertainment
Ein Besucher betritt eine gestaltete Umgebung. Die Umgebung reagiert auf seine Anwesenheit. Bedeutung entsteht eher durch Teilnahme als durch Beobachtung. Das Publikum trägt dazu bei, das Werk zu vervollständigen. Das Erlebnis wird den Menschen nicht einfach vermittelt. Es wird durch sie verwirklicht.
Das ist nicht nur eng mit zeitgenössischer immersiver und ortsbezogener Unterhaltung verbunden. Es ist die zugrunde liegende Logik.
Roberto Fantauzzi, Geschäftsführer von Lux Entertainment, dessen Ballonmuseum in den letzten Jahren Millionen von Menschen davon überzeugt hat, dass zeitgenössische Kunst wesentlich mehr Spaß macht, wenn man sich in sie hineinbegeben darf, drückt es so aus:
„Was mich fasziniert, ist der Moment, in dem ein Besucher aufhört, nur Zuschauer zu sein, und Teil der Komposition wird. Genau darin liegt die Kraft der zeitgenössischen Erlebnis-Kunst. Die unvergesslichsten Erlebnisse werden dem Publikum nicht einfach serviert. Sie werden von ihm selbst vollendet.
„Der Künstler schafft die Rahmenbedingungen, doch die Bedeutung entsteht durch die Teilnahme. In diesem Sinne ist der Besucher nicht nur bloßer Zuschauer des Erlebnisses. Er trägt vielmehr dazu bei, es zu gestalten.“
Ganz gleich, ob es sich um eine immersive Theaterproduktion, ein ortsgebundenes VR-Erlebnis, eine multisensorische Attraktion, eine interaktive Museumsumgebung oder ein Veranstaltungsort für geselliges Beisammensein , eine narrative Welt oder eine groß angelegte Erlebnisinstallation – der zugrunde liegende Mechanismus bleibt bemerkenswert konsistent.
Die Formate unterscheiden sich. Die Technologien unterscheiden sich. Die kreativen Ansätze unterscheiden sich. Und die Geschäftsmodelle unterscheiden sich ganz sicher.
Das ist nicht der Fall. Menschen betreten einen Raum. Der Raum regt zum Handeln an. Das Handeln schafft Bedeutung.
Das Skelett hinter dem Spektakel
Um es klar zu sagen: Le Parc war bei der Auseinandersetzung mit diesen Ideen keineswegs der Einzige.
Ein durchaus verärgerter Kunsthistoriker könnte auf Yayoi Kusama, James Turrell, Olafur Eliasson, GRAV, Allan Kaprow, Hélio Oiticica, Robert Irwin und eine lange Liste weiterer Künstler, Strömungen und Provokateure verweisen, die das passive Verhältnis zwischen Publikum und Kunstwerk.
Damit hätten sie recht.
Es geht nicht darum, dass Le Parc die Partizipation erfunden hat. Es geht vielmehr darum, dass er einen ungewöhnlich klaren Einblick in dieses Konzept bietet.
Yayoi Kusamas „Infinity Rooms“ waren vom 18. Mai 2021 bis zum 28. April 2024 ebenfalls in der Tate Modern zu sehen. © Tate Modern/Yayoi Kusama
Seine Arbeit reduziert die Gleichung auf das Wesentliche. Man nehme das geistige Eigentum weg. Man nehme das narrative Gerüst weg. Man nehme die Spielmechaniken, den Technologie-Stack, die Mythologie, die Weltgestaltung und den immer ausgefeilteren Wortschatz weg, den wir rund um das Design immersiver Erlebnisse entwickelt haben.
Was bleibt, ist eine Person, ein Raum, eine Reihe von Wahrnehmungsbedingungen und eine Einladung zur Teilnahme.
Genau diese Einfachheit macht ihn zu einem so wertvollen Vorläufer für zeitgenössische Künstler. Le Parc zu betrachten ist ein bisschen so, als würde man eine anatomische Zeichnung betrachten. Ein Großteil des Fleisches wurde entfernt, sodass die darunterliegende Struktur freigelegt ist.
Und die Struktur kommt einem bemerkenswert bekannt vor.
Ein Besucher betritt eine gestaltete Umgebung. Die Umgebung reagiert darauf. Durch die Teilnahme entsteht Bedeutung. Das Publikum trägt dazu bei, das Werk zu vollenden. Das Erlebnis wird den Menschen nicht einfach vermittelt. Es wird durch sie verwirklicht.
Julio Le Parc hat das Design immersiver Erlebnisse nicht erfunden. Aber er hat etwas Grundlegendes verstanden, wonach viele der heutigen Kreativen noch immer streben: Partizipation ist kein Merkmal des Erlebnisses.
Es ist das Erlebnis.
Was er uns hinterlässt
Menschen erinnern sich nicht an Merkmale. Sie erinnern sich an Momente – an den Moment, in dem sie das Zeitgefühl verloren haben oder miterlebten, wie etwas Vertrautes plötzlich fremd wurde. Dieser Moment, die kleine Veränderung bei der Person, die im Raum stand, war Le Parks gesamtes Lebenswerk.
Und wenn wir ehrlich sind, ist es auch das Einzige, was der Bereich „Immersion“ jemals wirklich verkauft hat. Ich habe an anderer Stelle dargelegt, dass Zustandsänderungen wichtiger sind als die Handlung. Das gleiche Prinzip gilt auch hier.
Die eigentliche Aufgabe des Erlebnisdesigns besteht nicht in der Vermittlung von Inhalten, sondern in der Gestaltung von Veränderungen – Veränderungen in der Wahrnehmung, der Aufmerksamkeit, den Emotionen oder dem Verständnis.
Le Parc hat das instinktiv verstanden.
Die Ausstellung in der Tate Modern umfasst über 60 Werke aus Le Parcs 70-jähriger Schaffenszeit, darunter interaktive Installationen, Lichtskulpturen und geometrisch-abstrakte Gemälde© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Und genau das ist das Erbe, das es wert ist, in Anspruch genommen zu werden. Da sich der Wert zunehmend von dem, was wir uns ansehen, hin zu dem verlagert, wohin wir gehen, besteht der Wert nicht mehr im Raum, in der Ausrüstung oder im geistigen Eigentum – sondern darin, was mit dem Besucher darin geschieht.
Wenn Sie darauf hin gestalten, schaffen Sie einen Moment, den kein Mitbewerber nachahmen kann: Jemand kommt herein und geht wieder hinaus – und sieht die Welt und vielleicht auch sich selbst ein wenig anders.
Julio Le Parc hat sein ganzes Leben lang nach dieser Verwandlung gestrebt, und wir anderen versuchen immer noch, aufzuholen. Seine Arbeit hingegen schimmert und schwankt weiterhin und macht dem Publikum auf sanfte Weise deutlich, dass es eine Rolle zu spielen hat.
Dieser Artikel ist Teil einer fortlaufenden Auseinandersetzung mit der sich wandelnden Welt der immersiven Erlebnisse – wie wir vom Weg abgekommen sind, wer dafür kämpft, wieder Sinn zu stiften, und warum dies wichtig ist.
Wenn Sie mehr darüber erfahren möchten, worum es in dieser Kolumne geht, beginnen Sie mit „Ist dieser Artikel immersiv?“, in dem ich das Ziel darlege: das Eintauchen in die Welt aus den Händen der Gimmick-Händler zurückzugewinnen und es denen zurückzugeben, die Erlebnisse schaffen, in die es sich lohnt, einzutauchen.
